Dica de Leitura

"Fez um café fortíssimo, para se dopar, vagou por um momento, da cozinha ao escritório, do escritório à sala de espera. Aquela dor desconhecida que se instalava em seu corpo e em seu pensamento e o impedia de respirar direito, de refletir calmamente como estava acostumado a fazer, só podia ser amor".

Trecho do livro "Vertigo - Um corpo que cai", escritor em 1954 pela dupla Pierre Boileau e Thomas Narcejac, e publicado no Brasil pela editora Vestígio, selo do Grupo Autêntica (2016, 192 páginas, tradução de Fernando Scheibe).
O eletrizante romance policial foi adaptado para os cinemas em 1958 pelo mestre do suspense Alfred Hitchcock, se transformando num dos grandes filmes de suspense de todos os tempos, com mesmo título do livro e que contava com James Stewart e Kim Novak (indicado a dois Oscars, de melhor direção de arte e som). A trama acompanha a exaustiva investigação de um detetive diante da bela esposa de seu cliente, que tem melancolia, costuma desaparecer sem deixar vestígios e aparenta sofrer de desvios psicológicos. Mas no decorrer do caso, ele se apaixona pela mulher.
Dividido em duas partes, o livro é um primor na construção dos personagens complexos e da trama instigante, que culmina em um final decisivamente arrebatador. Já nas livrarias.

Cine Cult

Fome de viver

* Reedição

Em Manhattan, a vampira Miriam Blaylock (Catherine Deneuve) mantém-se viva e bela através dos séculos com o sangue de suas vítimas. Vive em uma mansão luxuosa com o atual parceiro, John (David Bowie), que, do dia para a noite, começa a envelhecer rapidamente. Ele descobre ser portador de uma doença grave e precisa correr contra o tempo para não morrer. Para tanto recorre à geriatra Sarah Roberts (Susan Sarandon), que desenvolve estudos pioneiros sobre envelhecimento. Até que Miriam sente-se atraída por esta médica, e ambas iniciam um tórrido relacionamento que trará consequências assustadoras.

Cultuado filme de terror com romance, “Fome de viver” (1983) reinventou o gênero, criando vampiros sensuais, neogóticos, que moram em mansões de luxo. São criaturas de bom gosto, vanguardistas, colecionadores de arte renascentista e de berloques egípcios, no caso de Miriam, papel interpretado pela atriz francesa Catherine Deneuve, cuja beleza é o grande torpor dessa fita de arte de excepcional fotografia que lembra formato de videoclipes dos anos 80. Foge das convenções e dos estereótipos. Aqui, em vez da capa preta e dos dentes afiados, eles vestem roupas elegantes, óculos escuros e não mordem pescoço, mas sugam o sangue das vítimas pelo pulso – ou rasgam a jugular delas com um objeto afiado em formato de cruz que carregam como colar.

A história tem tom macabro, em especial a cruel relação de posse da vampira pós-moderna, Miriam, que encaixota os amantes para que vivam eternamente com ela na mesma casa. Baseado no romance de Whitley Strieber, “Fome de viver”, autor de “Lobos”, sempre esteve na lista dos meus filmes preferidos. Vale destacar ainda a participação do cantor e ator David Bowie, caracterizado por uma maquiagem de arrepiar que mostra o envelhecimento repentino (a doença existe e chama-se ‘progeria’), além de Susan Sarandon, super sexy em início de carreira. Ficou famosa a sequência de lesbianismo (poética e nada abusada) entre ela e Deneuve, ao som da bonita música “Lakmé”, de Delibes.

Foi o longa-metragem de estreia do diretor inglês Tony Scott, irmão de Ridley, responsável por “Top Gun – Ases indomáveis”, “Dias de trovão”, “Amor à queima-roupa”, “Inimigo do estado” e “Incontrolável” – infelizmente cometeu suicídio aos 68 anos em 2012. Um primor em todos os sentidos! Procure conhecer, e espero que aprecie.

O filme tinha saído em DVD pela Warner há quase 10 anos, e nesse mês de julho acaba de ganhar uma edição de luxo no box “Tony Scott – The red collection”, pela Classicline, acompanhado dos filmes “Amor à queima-roupa” (1993, com Christian Slater), “Vingança” (1990, com Kevin Costner) e “Estranha obsessão” (1996, com Robert De Niro), todos em DVD.

Fome de viver (The hunger). Reino Unido/EUA, 1983, 96 min. Horror/Romance. Colorido. Dirigido por Tony Scott. Distribuição: Warner Bros e Classicline

* Reedição de resenha publicada em 13/11/2011

Dica de Leitura

"Ao meio-dia, o príncipe Humperdinck apareceu na sacada do castelo do pai e ergueu os braços. A multidão, já ganhando proporções perigosas, acalmou-se pouco a pouco. Havia rumores de que o rei estava morrendo, de que ele já havia morrido, de que havia morrido fazia tempo, de que estava bem".

Trecho de "A princesa prometida", romance do falecido escritor William Goldman, que também era roteirista de cinema duas vezes ganhador do Oscar. Lançado originalmente em 1973, ganhou edição de capa dura no Brasil pela editora Intrínseca (2018, 416 páginas, tradução de Alice Mello).
Divertido, o livro parodia aventuras clássicas de capa e espada, misturando histórias de realeza com lutas de esgrima e invasão pirata, num reino perdido. A protagonista é a camponesa Buttercup, apaixonada por Westley, um jovem humilde que trabalha na fazenda do pai dela. Descobrem o amor verdadeiro, mas acabam se envolvendo num acidente com um navio pirata. Até que é raptada por uma gangue com planos mirabolantes.
Com o subtítulo "Um conto clássico de amor verdadeiro e grandes aventuras, de S. Morgenstern", o romance é um conto de fadas com muito humor, que deu origem ao filme de mesmo título produzido e dirigido por Rob Reiner em 1987, com roteiro do próprio Goldman - o filme fez muito sucesso nos cinemas e na TV, contava com um grande elenco, como Cary Elwes, Mandy Patinkin, Robin Wright, Peter Falk e Chris Sarandon, e foi indicado ao Oscar de melhor canção.

Cine Clássico (Reedição)

Johnny Guitar

* Reedição

Prestes a ser expulsa da cidade onde vive, Vienna (Joan Crawford), proprietária de um saloon no Oeste americano, recorre a um antigo namorado, Johnny Guitar (Sterling Hayden), para enfrentar o xerife local. Este, aliado a um grupo de pistoleiros comandados pela insensata Emma Small (Mercedes McCambridge), antiga rival de Vienna, fará de tudo para cumprir com a promessa.

Notório pelas cores agressivamente fortes e por uma fotografia escura, esse faroeste barroco é um dos mais diferentes do gênero. Com alta tensão psicológica, traz em destaque duas mulheres que se odeiam de corpo e alma. E que se movem pelo prazer da vingança. Como resultado, bons diálogos e embates nervosos entre duas grandes atrizes da época (as ótimas Joan Crawford e Mercedes McCambridge, ambas vencedoras de Oscar). Quando lançado em 1954, diziam que era um “western homossexual”, devido à frieza com que as personagens centrais femininas se tratam e do clima que paira no ar quando se encontram. Teriam tido Vienna e Emma Small, no passado, um relacionamento amoroso e hoje seriam arqui-inimigas?

No elenco, Sterling Hayden, Scott Brady, Ernest Borgnine e John Carradine.

PS: Em 2009 escrevi essa resenha sobre o filme, que havia sido lançado em DVD no Brasil pela extinta Cult Classic, na versão de 104 minutos, que era aquela reduzida que foi exibida na Alemanha Oriental. Esse mês a Classicline acaba de lançar o filme também em DVD, só que na versão de cinema, a integral, com seis minutos a mais (110 minutos), o que vale muito a pena rever. Poucos anos atrás a Versátil tinha lançado o filme nessa versão de 110 min no box “Cinema Faroeste – volume 7”, junto com outros bons filmes do gênero.

* Reedição de resenha publicada em 26/09/2009, no Blog Cinema na Web

Johnny Guitar (Idem). EUA, 1954, 110 minutos. Faroeste. Colorido. Dirigido por Nicholas Ray. Distribuição: Classicline (DVD de 2021, com a versão integral de 110 min) e Cult Classic (DVD de 2009, com a versão de 104 min)

Nota do Blogueiro

Novidades chegando em DVD!

Confira os lançamentos de julho da Classicline:

- Box 'Tony Scott: The red collection', com quatro filmes do diretor especializado em cinema de ação e suspense - "Fome de viver" (1983, terror/romance, com David Bowie, Catherine Deneuve e Susan Sarandon), "Vingança" (1990, ação, com Kevin Costner e Madeleine Stowe), "Amor à queima-roupa" (1993, ação, com Christian Slater e Gary Oldman e roteiro de Quentin Tarantino) e "Estranha obsessão" (1996, suspense, com Robert De Niro e Wesley Snipes) - acompanha quatro cards colecionáveis.

- "Rosa de esperança" (1942, drama/guerra, ganhador de seis Oscars, como melhor filme, melhor diretor e melhor atriz para Greer Garson)

- "Sob o signo de capricórnio" (1949, policial/drama, com Ingrid Bergman, dirigido por Alfred Hitchcock)

- "Johnny Guitar" (1954, western, com Joan Crawford, Mercedes McCambridge e Sterling Hayden)

- No mundo da lua" (1991, romance, com Reese Whiterspoon, Tess Harper e Sam Waterston, no último filme dirigido por Robert Mulligan)

Todos os titulos estão disponíveis nas melhores lojas! Obrigado, Classicline, pelo envio dos filmes.

Dica de Leitura

"Não gostei daquele pneu. A sombra dele era muito esquisita. O sol batia em nossas costas, porém a sombra do pneu se estendia em nossa direção. Mas tudo bem, ele estava longe. No geral, nada ameaçador, pode-se trabalhar com isso. Se ainda soubesse o que era aquele brilho prateado... ou foi apenas fruto de minha imaginação?".

Trecho do complexo romance 'Piquenique na estrada" (1972), dos irmãos Arkádi e Boris Strugátski, os mais famosos escritores de ficção científica da União Soviética. O livro foi lançado no Brasil pela Editora Aleph, especializada em literatura scifi, em capa dura, em 2017 (320 páginas, tradução de Tatiana Larkina).
A obra inspirou o cultuado filme de Andrei Tarkovski "Stalker", ganhador do prêmio do Júri Ecumênico no Festival de Cannes em 1980, e trata de uma expedição ilegal a uma área protegida pelo governo, considerada proibida após ser palco de invasões alienígenas. À frente da expedição estão Redrick e um grupo de stalkers, intrusos que pretendem coletar estranhos objetos deixados pelos extraterráqueos para revendê-los.
Misterioso e filosófico, com pegada existencialista, o livro (e também isso se aplica ao filme) faz uma alegoria ao contato do humano com os alienígenas, ao mundo desconhecido e aterrador além das fronteiras da Terra, e ainda é uma crítica feroz à Guerra Fria e à insignificância humana. Leia e assista ao filme!

Cine Especial

71: Esquecido em Belfast

Em 1971, o jovem soldado britânico Gary Hook (Jack O'Connell) é deixado para trás pela sua tropa nas ruas de Belfast durante a guerra civil da Irlanda do Norte. Ele passará por dias intermináveis de angústia e tensão.

Em sua estreia no cinema, o francês Yann Demange realizou uma brilhante fita independente sobre a guerra civil na Irlanda do Norte, centrando toda a ação em apenas um personagem, interpretado com coerência por Jack O'Connell, de “Invencível” (2014). É um filme britânico com um recorte de época específico, que mescla ação, drama e guerra, indicado ao Bafta e ganhador de uma menção especial do Júri Ecumênico no Festival de Berlim.

O personagem passa por dias intermináveis, de tensão e medo, quando fica para trás no momento em que seu grupamento se dispersa nas manifestações populares durante a guerra civil, quando o Exército Republicano Irlandês (IRA) tocou o terror nas ruas de Belfast (ou seja, o pano de fundo é real, já o personagem não, mas reflete a situação de civis e militares no país naquele período). Em poucas horas tem de se esconder, ele vai em lugares abandonados, é acolhido por moradores, tudo para escapar dos paramilitares irlandeses que desejam eliminá-lo.

Trata de uma questão humanitária a partir de um dos fatos mais notórios da História da Irlanda, o separatismo provocado pelo IRA, que desde 1919 luta contra a influência britânica na ilha (eles vão para a guerra, cometem atentados e emboscadas a bomba, e são, portanto, terroristas).

A fotografia nas ruas de Belfast em tom desbotado, de Tat Radcliffe, é caprichada, e o roteiro, de Gregory Burke, procura retratar os horrores de uma guerra civil onde inocentes acabam vítimas das piores atrocidades.

Ainda sobre o IRA, recomendo bons filmes que tratam do tema, como “Jogos patrióticos” (1992), “Em nome do pai” (1993), “Michael Collins: O preço da liberdade” (1996), “Inimigo íntimo” (1997) e Domingo sangrento” (2002). Em DVD pela Universal.

71: Esquecido em Belfast (‘71). Reino Unido, 2014, 99 minutos. Ação/Drama. Colorido. Dirigido por Yann Demange. Distribuição: Universal Pictures

Cine Cult

A festa de Babette

Na metade do século XIX, em uma vila dinamarquesa, duas solitárias irmãs, filhas de um pregador, acolhem uma refugiada francesa chamada Babette (Stéphane Audran). Para recompensar as irmãs pela moradia, ela começa a trabalhar como empregada. Um dia ganha um grande prêmio em dinheiro na loteria, e para agradecer as irmãs por terem fornecido o abrigo, faz um banquete com comidas requintadas para os moradores do vilarejo.

Um filme inspirador, simples e delicado, que marcou muitas pessoas, especialmente o público feminino. Continua um de meus filmes preferidos e também o de minha mãe (revimos há pouco tempo nessa linda cópia da Classicline, relançada em DVD no Brasil).

O filme foi inspirado no conto “A festa de Babette e outros contos do destino”, presente no livro “Anedotas do destino” (1958), escrito por Isak Dinesen, pseudônimo da escritora dinamarquesa Karen Blixen – ela é a autora do livro autobiográfico “Uma fazenda africana”, que virou o clássico romântico dos anos 80 “Entre dois amores”, com Meryl Streep e Robert Redford.

Ganhou merecidamente o Oscar de filme estrangeiro em 1988, e o Bafta no ano seguinte na mesma categoria, além do prêmio de Júri Ecumênico no Festival de Cannes. Na época, conquistou o coração das pessoas pela simplicidade e singeleza, sem falar da esplendorosa fotografia no verdadeiro vilarejo de Jutlândia, na Dinamarca, e dos apetitosos pratos de alta classe que a protagonista cria (dá uma fome lascada!).

Tudo é muito bem conduzido e narrado, as imagens tornam-se memoráveis, e a direção do veterano dinamarquês Gabriel Axel é uma aula de técnica cinematográfica – curioso que só havia feito documentários e telefilmes em seu país, sendo “A festa de Babette” um dos poucos filmes dele para cinema, e o mais celebrado de sua longa carreira; depois faria seu último trabalho, que também se passa em Jutlândia, “Jutland - Reinado de ódio” (1994, com Christian Bale bem novinho).

O drama trata do banquete como um ritual pontual de felicidade e celebração, que reúne pessoas de diferentes idades e pensamentos, e faz uma reflexão irônica e contraditória: as irmãs isoladas, religiosas, fechadas em um mundo próprio, sem prazer para nada, versus os prazeres da mesa, da comida refinada, uma espécie de orgia quando todos estão diante dos pratos saborosos.

Elegante e bonito, é uma obra-prima para ver muitas vezes. No final dá uma vontade de experimentar as receitas de Babette, como caviar, babá ao rum (sponge cake) e outras comidas exóticas, como sopa de tartaruga e codornas assadas na massa folhada.

Babette, feita com sinceridade pela ótima Stéphane Audran (atriz de diversos filmes, como “O discreto charme da burguesia”, falecida em 2018 aos 85 anos), entrou para a galeria de personagens inesquecíveis da Sétima Arte. No elenco tem também participação de uma das musas de Ingmar Bergman, Bibi Andersson (de “Persona”, “O sétimo selo” e “Morangos silvestres”).

A festa de Babette (Babettes gæstebud). Dinamarca, 1987, 103 minutos. Drama. Colorido. Dirigido por Gabriel Axel. Distribuição: Classicline

Dica de Leitura

"Ele nunca tinha passado pela experiência de uma tragédia antes. Sei que ele estava exausto e preocupado. Lembro de tentar fazer com que ele risse. Eu punha minha máscara de oxigênio, inspirava profundamente e dizia, na minha melhor imitação de Darth Vader: 'Chris, eu sou seu pai. Agora vá pegar um cheeseburger com fritas para o papai'. Chris deveria estar comigo na maratona, mas eu o convidei  tarde demais".

Trecho de "O que te faz mais forte" (2014), livro autobiográfico de Jeff Bauman, que trata do atentado a bomba que sofreu em abril de 2013, na Maratona de Boston, onde perdeu as duas pernas. Ele e mais 263 pessoas ficaram feridas, e três morreram na tragédia que chocou os Estados Unidos e o mundo. Nessa obra emocionante, lançada pela editora Vestígio, do grupo Autêntica (2017, 288 páginas, tradução de Antonio Carlos Vilela), o autor relata sua vida antes e depois do atentado, conta como foi a adaptação à nova realidade que o aguardava, e como ajudou o FBI nas investigações.

O livro deu origem a uma boa versão para o cinema, em 2017, dirigida por David Gordon Green, com Jake Gyllenhaal no papel de Jeff. Conheça essa história real de dor e superação.

Resenha Especial

O pacto de Adriana

* * Publicado em 15/11/2017

A documentarista chilena Lissette Orozco faz uma ampla investigação sobre o passado de sua tia, Adriana Rivas, acusada de atuar, na década de 70, como chefe de um grupo de extermínio do governo Pinochet.

Um documentário essencial para estudar a ditadura no Chile e que abre as feridas deixadas pelo autoritário governo Pinochet na década de 70, feito com maestria e muita pesquisa por uma jovem cineasta chilena, Lissette Orozco. A produção independente ganhou prêmio especial no Festival de Berlim em 2017 e venceu a competição de Novos Diretores na Mostra Internacional de Cinema de São Paulo do mesmo ano.

Esse é o primeiro longa-metragem da diretora e roteirista, que investiga o passado da tia, Adriana Rivas, por meio de conversas virtuais com ela (Adriana mora na Austrália há quase quarenta anos, e Lissette, no Chile). É uma busca de respostas sobre o envolvimento dela com o austero governo Pinochet, quando surgem provas de que Adriana era uma agente da ‘Brigada Lautaro’, um grupo de elite que, com métodos de extermínio, torturou e matou adversários políticos que compunham partidos de esquerda (considerado um ‘esquadrão da morte’). Enquanto a tia nega os dados levantados, Lissete vai atrás de vítimas que reconhecem Adriana em fotos da época e colhe depoimentos de familiares.

Lissette confessa que desde pequena idolatrava a tia, no filme exibe vídeos caseiros e álbum de família que comprovam seu forte laço com ela, mas aos poucos se afasta quando surgem as acusações - e por meio do documentário descortina segredos tenebrosos de Adriana, apelidada de Chany, no caso o pacto que fez com a ditadura de Pinochet. A cineasta descontrói a imagem da tia adorável ao comprovar que ela fora uma das cabeças da Direção de Inteligência Nacional (Dina), a polícia secreta de Pinochet, onde exercia cargo de líder na tal Brigada Lautaro.

A Dina, que correspondia a um DOPS chileno, existiu de 1973 a 1977, com oficiais treinados pela inteligência americana, orientados a combater veemente oposicionistas ao governo Pinochet. Os membros da Dina foram acusados de torturar centenas de pessoas, matar agentes políticos em atentados terroristas (inclusive o ex-chanceler de Salvador Allende) e desaparecer com pessoas. Relatórios recentes apontam que a Dina tenha assassinado diretamente 3.300 indivíduos, e hoje há mais de 30 mil desaparecidos (considerados mortos). Adriana, hoje na Austrália, responde diretamente a sete mortes, dentre elas a de uma grávida.

Recomendo veemente esse documentário de forte impacto, necessário para se conhecer os abusos de autoridade de um governo ditatorial, e que também reflete sobre a era das ditaduras na América Latina dos anos 60 e 70. Aliás, são muitos os bons filmes chilenos sobre a ditadura naquele país, e deixo alguns como sugestão: “Machuca” (2004), “No” (2012), dois títulos da “Trilogia Andina” de Patricio Guzmán – “Nostalgia da luz” (2010) e “O botão de pérola” (2015), sendo que o último está em produção, e se chamará “A cordilheira dos sonhos”, além de outros documentários dele, como “A batalha do Chile” (1975) e “O caso Pinochet” (2001), e ainda docs da diretora Carmen Castillo, como “La flaca Alejandra” (1994) e “Rua Santa Fé” (2007). Outros países também realizaram obras magníficas que se passam na ditadura do Chile, como “Desaparecido: Um grande mistério” (1982) e “A casa dos espíritos” (1993).

“O pacto de Adriana” está em exibição nos cinemas brasileiros, e sessões especiais no Instituto Moreira Salles (IMS).

O pacto de Adriana (El pacto de Adriana). Chile, 2017, 96 minutos. Documentário. Colorido/ Preto-e-branco. Dirigido por Lissette Orozco. Distribuição: FJ Cines (apenas nos cinemas)

Dica de Cinema

Lançamentos em DVD da Classicline (pela primeira vez em mídia física no Brasil):

- A hora final (drama scifi, de 1959, dirigido por Stanley Kramer - com Gregory Peck e Ava Gardner)

- Aconteceu num apartamento (comédia/suspense, de 1962, dirigido por Richard Quine, com Jack Lemmon e Kim Novak)

- As sete faces do Dr. Lao (fantasia/comédia, de 1964, dirigido por George Pal, com Tony Randall e Barbara Eden)

- A colina dos homens perdidos (drama de guerra, de 1965, dirigido por Sidney Lumet, com Sean Connery e Harry Andrews)

- A travessia de Cassandra (ação/suspense, de 1976, dirigido por George Pan Cosmatos, com Sophia Loren e Martin Sheen)

Todos já disponíveis no mercado. Obrigado, pessoal da Classicline, pelo envio dos filmes.

Dica de Leitura

"Lá fora, no jardim, era a hora do recreio. Nus, sob o suave calor do sol de junho, seiscentos ou setecentos meninos e meninas corriam sobre a grama, soltando gritos agudos, ou jogavam bola, ou se acocoravam silenciosamente em grupos de dois ou três entre os arbustos em flor. As rosas desabrochavam, dois rouxinóis cantavam seu solilóquio nas ramagens, um cuco emitia gritos dissonantes entre as tílias".

Trecho do controverso romance futurista "Admirável mundo novo" (1932), um clássico da literatura contemporânea, escrito pelo inglês Aldous Huxley. O livro acaba de ser relançado no Brasil pela editora Biblioteca Azul, selo da editora Globo (2021, 308 páginas, tradução de Vidal de Oliveira).
Num futuro distante, o planeta Terra está dividido em regiões administrativas, e a população é formada por castas sociais. Os dois bilhões de habitantes foram manipulados por engenharia genética para que fosse possível viver em plena harmonia. São controlados por um regime totalitário, e nesse sistema o amor é proibido enquanto o sexo é estimulado.
O perturbador romance tece críticas ferozes aos regimes totalitários, à cultura de massa e ao "american way of life", e trata de temas fundamentais para a discussão atual, como mundialismo, reengenharia, controle genético e adestramento comportamental.
O livro ganhou adaptações para a TV: virou um telefilme de 1980, com Bud Cort, e outro telefilme em 1998, com Peter Gallagher, e recentemente a minissérie homônima produzida pela Peacock/NBCUniversal, de 2020, com Alden Ehrenreich. Leia e assista às versões!

Cine Cult

Crash: Estranhos prazeres

James (James Spader) sofre um acidente de carro e após a recuperação desenvolve uma estranha tara pela desconhecida Helen (Holly Hunter), viúva da vítima fatal daquele desastre. Por meio dela, James entra em um pequeno grupo de fetichistas que tem prazer sexual em pessoas feridas em acidentes automobilísticos.

Na época de seu lançamento, em 1996, o filme foi censurado em alguns países, e em outros passou com um corte final de 10 minutos a menos, devido às cenas de sexo e estranhezas do roteiro maldito de David Cronenberg (que era uma adaptação do livro do escritor de “Império do sol”, J. G. Ballard, um dos fundadores da ‘New Wave’ da scifi britânica). Agora a Versátil acaba de lançar essa indigesta e explosiva história de sexo e fetiches incomuns numa edição caprichada de colecionador, em bluray – é a inédita cópia restaurada, na versão integral de 100 minutos, ou seja, com aqueles 10 minutos cortados. Além do filme em BD, vem um disco extra em DVD com mais de quatro horas de documentários e especiais, incluindo três curtas-metragens de Cronenberg, fora os cards, pôster e livreto.
A produção independente de Cronenberg fracassou nos cinemas virando da noite para o dia um autêntico cult, original, polêmico e, por si só, proibido.

É mais uma obra complexa e bizarra do controverso mundo do cineasta canadense que havia feito filmes sombrios e mórbidos como esse em “Os filhos do medo” (1979), “Scanners: Sua mente pode destruir” (1981), “Videodrome: A síndrome do vídeo” (1983), “Gêmeos: Mórbida semelhança” (1988) e “Existenz” (1999), sem falar do seu longa mais comercial, “A mosca” (1986). Dessa vez mostra pessoas solitárias, vítimas de acidentes de carro, que integram uma estranha rede de prazer e sedução liderada por um homem doentio (um sinistro e perturbado Elias Koteas); eles têm fetiches por ferimentos e deformações causados por acidentes automobilísticos, adoram carros batidos e trocam confidências em reuniões exclusivas às escuras. James Spader, Holly Hunter, Deborah Kara Unger e Rosanna Arquette são os outros bons atores nesses papéis ousados e talvez os mais difíceis de suas carreiras, que se entregam ao obsceno e aos desvarios do processo criativo de Cronenberg em sua mais alta potência.
Não há como negar a originalidade da ideia (difícil até de classificar o gênero, diria que é um drama com suspense), porém, cuidado, pois para muitos poderá ser uma experiência pesada e desesperadora (na época, nos cinemas, muita gente se sentiu mal e achou aquilo tudo uma afronta). Exibido em Cannes, ganhou prêmio especial do Júri, indicado ainda à Palma de Ouro.

Não confundir com dois filmes de títulos próximos, a ação scifi lançada na mesma época, “Estranhos prazeres” (1995), de Kathryn Bigelow, nem com “Crash: No limite”, o drama que inesperadamente ganhou o Oscar de melhor filme em 2006. Conheça e tire suas conclusões.

Crash: Estranhos prazeres (Crash). Reino Unido/Canadá, 1996, 100 minutos. Drama/Suspense. Colorido. Dirigido por David Cronenberg. Distribuição: Versátil

Resenha Especial

Holy Motors

Publicado em 10/06/2013

Oscar (Denis Lavant) é um milionário que transita solitariamente dentro de uma limusine pelas ruas de Paris. Ele terá nove encontros com ele mesmo, onde irá criar personagens como um vagabundo, um músico, um assassino, um mendigo, um pai, dentre outros tipos. Esse homem está em busca da beleza do movimento, da força motriz da vida, das mulheres que o cercam e dos fantasmas de sua vida.

Vencedor de prêmios especiais nos festivais de Cannes e de Toronto, o desconcertante “Holy motors” (2012) é um mergulho bizarra na mente de um homem incompreendido, focando seus delírios e desejos para uma vida completa em tempos de atrocidade e dinamismo. Metáforas não faltam para compor esse painel onde circulam estranhos personagens em uma Paris em constante transformação.

O ator Denis Lavant faz um grandioso tour-de-forcee para interpretar onze personagens – o principal é o Monsieur Oscar, um milionário solitário dentro de uma limusine, e dele surgem nos encontros tipos como o banqueiro, uma velha mendiga, um ator que trabalha num cromaqui, um pai de família irritado, o tocador de acordeon, o matador, um homem no foyer, um idoso no leito de morte e o mais memorável, seu Mr. Merde, um andarilho torto e medonho, que sobe à superfície pelos dutos dos esgotos – Lavant havia criado esse papel para um dos segmentos do filme “Tokyo!” (2008), também dirigido por Leos Carax junto de outros diretores. Na limusine em trânsito o protagonista faz paradas e se transforma nesses personagens desnudando as verdades da metrópole. Ele é um mestre em disfarces, criando várias histórias onde sua vida se mistura a de outros.

É um difícil exercício de maquiagem para o ator e um exercício próprio de identidade e personificação que poucos se atrevem fazer.

O diretor de “Os amantes de Pont-Neuf” (1991), “Pola X” (1999) e de um dos segmentos de “Tokyo!” (2008), Leos Carax, que já havia trabalhando com Lavant em pelo menos três longas, usa o realismo fantástico beirando o surrealismo com forte potência, recorrendo a elementos dadaístas, fantasias eróticas e fetichismo para compor essa realidade em conflito com a ficção - ambas se misturam chegando a um ponto em que o espectador não sabe mais o que é o que. O diretor é bem técnico, utiliza travellings impecáveis, como a do mendigo no cemitério comendo flores dos túmulos indo em direção à sessão de fotografias nos jazigos, e a do acordeonista que, ao caminhar tocando o instrumento pela noite afora, vê um grupo de instrumentistas se juntar a ele.

Há simbologias e alegorias inúmeras, destaco a cena da “Pietà”, de Michelangelo, em que a atriz Eva Mendes, numa rápida participação como a modelo raptada pelo abominável Mr. Merde, encarna Maria, enquanto Merde, com ereção, deita-se em seu colo, num canal de água subterrâneo.

O cultuado filme tem uma fotografia impressionante, é uma obra complexa e pretende ser uma reflexão em dois caminhos: em torno do retrato da criação artística e a do mundo em crise, cada vez mais instável e absurdo.

O desfecho é satírico e ao mesmo tempo melancólico.

Observe a rápida participação da cantora pop australiana Kylie Minoque, que havia passado por um temeroso câncer de mama, em que aparece como atriz – e no filme toca sua música dançante mais famosa, “Can't get you out of my head”.

É um dos longas mais originais do ano de 2013, lançado em DVD esse mês pela Imovision.

Holy Motors (Idem). França/Alemanha/Bélgica, 2012, 115 minutos. Drama. Colorido. Dirigido por Leos Carax. Distribuição: Imovision

Cine Cult

Deixa ela entrar

O garoto Oskar (Kåre Hedebrant) sofre bullying na escola e ao conhecer uma misteriosa menina chamada Eli (Lina Leandersson) vê nela uma forma de se vingar dos meninos valentões que cometem os assédios. Ele não sabe, mas Eli é uma vampira, alimentada com sangue humano pelo pai, que à noite sai escondido para caçar as vítimas.

Filme de terror sueco dos mais originais do cinema, baseado no romance de estreia de John Ajvide Lindqvist, de 2004 (publicado no Brasil pela editora Globo Livros), que também escreveu o roteiro. Inesquecível para quem assiste, com cenas marcantes, sem contar o primor da fotografia no gelo da Suécia. É um filme cult poético, altamente criativo e ao mesmo tempo macabro, sem ser apelativo e sem sangue explícito (como poderia ser caso fosse gravado em outros países – vale destacar que o explícito é um chamariz para os curiosos). Outro elemento de forte impacto visual é a montagem fora do comum, com longas sequências silenciosas – e o trabalho das duas crianças dá o que falar!

Rodado na capital, Estocolmo, e em regiões do interior do país, o filme trata do tema vampirismo pelo ponto de vista da ingenuidade de duas crianças, e ainda fala de bullying na escola e seus desdobramentos, como por exemplo, a omissão dos pais e dos professores diante dos crimes cometidos contra o protagonista.

Foi refilmado nos Estados Unidos (coprodução com o Reino Unido), numa versão mais sanguinária e ainda válida, “Deixe-me entrar” (2010), com Kodi Smit-McPhee, Chloë Grace Moretz e Richard Jenkins - que melhora numa revisão sem muitas exigências.

O terror firmou a carreira do diretor sueco Tomas Alfredson, que logo fez dois filmes premiados baseados em romances campeões de vendas, o difícil thriller “O espião que sabia demais” (2010) e o suspense que divide opiniões “Boneco de neve” (2015).

Acaba de ser lançado numa edição especial em bluray pela Versátil, em disco único (já havia uma edição esgotada do DVD da mesma distribuidora); além do filme em ótima resolução de imagem e som, tem uma hora de extras, e acompanham cards, pôster e livreto.

PS: Reparem no erro crasso de ortografia no título em português, que passou batido e mantém uma sonoridade horrível... tirando esse crime contra a língua, é um filmaço impossível de se esquecer!

Deixa ela entrar (Låt den rätte komma in). Suécia, 2008, 114 minutos. Terror/Drama. Colorido. Dirigido por Tomas Alfredson. Distribuição: Versátil

Dica de Leitura

"Odessa passou a viagem de metrô atordoada. Quando saiu rumo às ruas de Kew Gardens, exibia uma nova postura. Retornou à agência do FBI, entrou no prédio com um sorriso contido, confiante, e se dirigiu à sala vazia de Earl Solomon. Antes, pegou emprestado um notebook que ninguém estava usando e que ela vira no dia anterior na sala de fotocópias. Fechou a porta do escritório, sentou-se na poltrona que havia muito não era utilizada e abriu o computador sobre a mesa do agente Solomon".

Trecho de "As sombras do mal" (2020), primeiro volume da série de livros "As fitas de Blackwood", recém-lançado no Brasil pela editora Intrínseca (2021, 320 páginas, tradução de Stephanie Fernandes). Escrito pela dupla Guillermo Del Toro (o diretor de "Hellboy" e "O labirinto do fauno", que também é escritor, roteirista e produtor de filmes) e Chuck Hogan (autor do livro que originou o filme "Atração perigosa" e roteirista de "13 horas: Os soldados secretos de Benghazi"), o romance policial com pitadas de terror traz as investigações de uma agente do FBI em torno de uma onda de crimes horrendos, possivelmente cometidos por uma entidade sobrenatural.

Envolto de mistérios, clima de tensão e suspense e inúmeras reviravoltas, o livro marca o retorno da dupla Del Toro-Hogan, que havia escrito anos antes as histórias que inspiraram a série televisiva de terror "The strain" (2014-2017).

Para quem gosta desse tipo de literatura, é um prato cheio.

PS: O livro 1 ganhará versão para cinema no próximo ano, e a segunda parte deve ser lançada em breve pelos autores.