Resenhas especiais - Parte 2

Explosão no trem-bala
 
Um trem-bala rumo a Tóquio carrega uma ameaça mortal: se a velocidade ficar abaixo de 100 km/h, o veículo ativará bombas instaladas por terroristas. Os bandidos têm um plano mirabolante por trás daquilo tudo.
 
Thriller japonês enérgico do começo a fim, que mistura ação com suspense psicológico, e é uma releitura moderna de um clássico do gênero, o também japonês “O trem bala” (1975), escrito e dirigido por Junya Satō, com o astro Ken Takakura. O filme anterior era um disaster movie feito numa década de grandes filmes do assunto, como “Aeroporto” (1970), “O destino de Poseidon” (1972) e “Inferno na torre” (1974). Agora a direção é do cineasta japonês Shinji Higuchi, realizador de reboots de filmes da cultura pop japonesa, como “Shin Godzilla” (2016) e “Shin Ultraman” (2022) – “Shin” é um termo para “Novo”. O filme se passa em apenas um dia, dentro de um trem-bala em movimento, prendendo a atenção pela tensão constante. Daqueles filmes entretenimento de corrida contra o tempo, em que autoridades e passageiros precisam lidar não apenas com o perigo físico, mas também com o pânico e os dilemas emocionais que surgem em situações extremas. O filme destaca-se pelo uso de efeitos visuais modernos que intensificam a sensação de claustrofobia e velocidade, além de enquadramentos elaborados e câmera frenética. No elenco, nomes como Tsuyoshi Kusanagi e Kanata Hosoda. O original “O trem-bala” inspiraria fitas semelhantes, sendo o mais conhecido “Velocidade máxima” (1994), deslocando a ação do trem para um ônibus urbano cheio de bombas. Produção da Netflix, disponível no catálogo do streaming.
 
Explosão no trem-bala (Shinkansen daibakuha). Japão, 2025, 134 minutos. Ação/Drama. Colorido. Dirigido por Shinji Higuchi. Distribuição: Netflix
 
 

Meu nome é Agneta
 
Mulher de meia-idade é demitida do trabalho e ao mesmo tempo enfrenta crise conjugal. Cansada e desmotivada, ela encontra um anúncio no jornal sobre um trabalho de cuidadora infantil na cidade francesa de Provence, e aceita mudar-se para lá. Chegando ao endereço, descobre que o cliente é um idoso, que precisa de cuidados (e não uma criança, como pensava). Os dois iniciam forte vínculo de amizade que reacende a vontade dela em viver.
 
Comédia dramática sueca da Netflix dirigida por Johanna Runevad, uma fita delicada e também divertida, que arranca lágrimas no final. É uma história bonita com grande atuação da atriz sueca Eva Melander, de “Border” (2018), que transforma a crise da meia-idade em uma jornada de autoconhecimento. Ela interpreta a personagem-título, Agneta, de 49 anos, uma mulher que se sente apagada dentro da própria vida: o casamento perdeu intimidade, o marido não dá atenção e duvida da sua capacidade, os filhos adultos só a procuram por conveniência e o trabalho burocrático não lhe oferece outras perspectivas. Certo dia é demitida sem motivos aparentes. Parte então para um emprego como au pair em Provença, França – uma cidadezinha bucólica, com belos campos de lavanda. Ela é uma estudiosa sobre a França, sempre gostou do país, e resolve se mudar para lá de vez, deixando o marido para trás. Descobre que não cuidará de uma criança, mas sim de Einar, um idoso excêntrico e teimoso, que gosta de dançar e beber com amigos (vivido pelo ótimo ator Claes Månsson). Essa convivência inesperada, marcada por almoços, conversas e pequenos gestos, torna-se o motor da transformação de Agneta – ela também fica próxima dos amigos excêntricos de Einar, todos idosos que moram no mesmo prédio. O roteiro, baseado no best-seller de Emma Hamberg, evita melodrama e constrói a evolução da protagonista por meio de situações cotidianas. Revela a simetria entre duas figuras invisíveis: Agneta, apagada socialmente por ser mulher, e Einar, que enfrenta a invisibilidade trazida pela velhice. A relação dos dois, ao mesmo tempo frágil e poética, dá ao filme a força dramática necessária. A diretora Johanna Runevad, que já havia se destacado em produções televisivas na Suécia, conduz o filme com bom humor e momentos de drama para chorar, apostando em uma obra intimista e direção de atores precisa. Na trilha sonora, “The winner takes it all”, em duas versões: a do Abba e uma francesa. Um dos destaques do mês passado na Netflix, um filme adorável, principalmente para o público feminino.
 
Meu nome é Agneta (Je m'appelle Agneta). Suécia, 2026, 113 minutos. Comédia/Drama. Colorido. Dirigido por Johanna Runevad. Distribuição: Netflix

Resenhas especiais - Parte 1

A primeira Barbie negra
 
Documentário sobre a criação da primeira Barbie negra, nos anos 80, que, ao mesmo tempo, revolucionou o mercado de brinquedos e auxiliou a repensar as questões da branquitude nos Estados Unidos.
 
O documentário dirigido pela cineasta preta Lagueria Davis mergulha em um tema que transcende brinquedos: a representação racial e os reflexos da branquitude nos Estados Unidos. O roteiro, super bem amarrado, parte dos experimentos sociais com bonecas nos anos de 1960, que revelavam como a ausência da diversidade reforçava a segregação. Esse pano de fundo histórico preparou o terreno para a chegada tardia da primeira Barbie negra oficial, lançada apenas em 1980 (uma boneca alta, magra, de cabelos black, com roupas coloridas, inspirada na cantora Diana Ross). Apesar de revolucionária, a boneca recebeu pouca divulgação e ainda carregava elementos estéticos dos anos 70, mostrando como a indústria demorava a reconhecer plenamente a identidade negra. O doc ganha força ao trazer depoimentos de funcionárias da Mattel (a empresa criadora da Barbie), colecionadoras de bonecas e figuras públicas pretas como a atriz indicada ao Oscar Gabourey Sidibe, que compartilham suas experiências de identificação com a boneca. A ideia do doc partiu da tia da cineasta Lagueria, Beulah Mae Mitchell, de 84 anos, ex-funcionária da Mattel, que relembra sua trajetória e a inquietação diante da ausência de uma Barbie negra. Por pressão social, da mídia e da política, depois da Barbie negra, concorrentes passaram a lançar bonecas em diferentes tons de pele, como a linha Shani, ampliando o espectro de representatividade. Esse movimento revela que a luta por diversidade não é apenas mercadológica, mas profundamente cultural e política. Exibido em festivais de destaque, como Cleveland, Nashville, Hot Docs, Heartland e SXSW, o doc é da Netflix, disponível no streaming. Mais do que uma investigação sobre um ícone da indústria cultural, é um retrato pungente de como brinquedos podem se tornar instrumentos de exclusão ou de revolução. A Barbie negra não é apenas uma boneca: tornou-se um marco simbólico na luta por reconhecimento das meninas pretas – e o documentário faz bem em contar essa história.
 
A primeira Barbie negra (Black Barbie: A documentary). EUA, 2023, 94 minutos. Documentário. Colorido/Preto-e-branco. Dirigido por Lagueria Davis. Distribuição: Netflix
 
 

Outstanding: A comedy revolution
 
Documentário que reúne diversos ícones do stand up comedy LGBTQIAPN+ que discutem sobre representatividade no mundo do humor.
 
Produzido pela Netflix, o documentário reúne em um auditório 22 artistas de diferentes países que se identificam como gays, lésbicas, transsexuais e bissexuais, para uma conversa sobre representatividade no mundo do humor, especialmente o stand up comedy, modalidade de shows cômicos usual nos Estados Unidos (e que nos últimos anos “pegou” no Brasil). Exibida no Festival de Tribeca, a produção celebra uma noite histórica realizada em 7 de maio de 2022, no Teatro Grego de Los Angeles, intitulada Stand Out, com diversos atores e atrizes LGBTQIAPN+, como Eddie Izzard, Lily Tomlin, Rosie O’Donnell, Sandra Bernhard, Judy Gold, Wanda Sykes e Robin Tyler (esta, pioneira do humor, uma das primeiras a assumir publicamente sua identidade lésbica no stand up, hoje com 81 anos). O filme não se limita a registrar o espetáculo aberto ao público, e sim analisa a trajetória da cena queer dentro da comédia, mostrando como o stand up se consolidou como parte da cultura contemporânea e ganhou força como espaço de afirmação, resistência e liberdade. Os depoimentos ressaltam a importância da representatividade e da visibilidade, conectando o humor às lutas históricas da comunidade gay, como o marco de Stonewall em 1969, que sacudiu a mídia e abriu caminho para discussões mais amplas sobre direitos humanos para todos e todas. “Outstanding” funciona como uma grande reflexão, evidenciando como o riso pode ser uma ferramenta de inclusão, memória e transformação social.
 
Outstanding: A comedy revolution (Outstanding: A comedy revolution). EUA, 2024, 99 minutos. Documentário. Colorido/Preto-e-branco. Dirigido por Page Hurwitz. Distribuição: Netflix

Especial de cinema - Parte 2

Festival “Olhar de Cinema” termina amanhã; confira mais filmes vistos
 
O “Olhar de Cinema – Festival Internacional de Curitiba”, que está em sua 15ª edição com 80 filmes na programação, termina amanhã, dia 13 de junho. São exibidos curtas e longas-metragens nacionais e internacionais, distribuídos em oito mostras. Criado como um festival de cinema independente em 2012, o Olhar de Cinema já levou mais de 250 mil pessoas para as salas de cinema e exibiu mais de 1200 filmes do mundo inteiro. Consolida-se, assim, como um dos mais importantes festivais internacionais de cinema do Brasil. Além das exibições de filmes, há também o Seminário de Cinema de Curitiba (com debates, palestras e encontros com profissionais do audiovisual), três oficinas e o CuritibaLab (laboratório de pós-produção de filmes, com consultoria de montagem e marketing). O festival acontece em cinco locais de exibição: Cine Passeio, Museu Oscar Niemeyer (Auditório Poty Lazzarotto), Cinemateca de Curitiba, Teatro da Vila e Ópera de Arame.

Confira abaixo mais filmes que assisti no festival e recomendo:
 
Barbara forever (2026)
 
Grande vencedor do Teddy Bear na Berlinale de 2026, prêmio entregue a obras de temática LGBTQIAPN+, o documentário de estreia de Brydie O'Connor é uma homenagem de corpo e alma a uma cineasta independente que marcou a cena da contracultura novaiorquina dos anos 60 e 70, Barbara Hammer (1939-2019). O filme acompanha o legado deixado por ela na fotografia, no cinema e na videoarte, com seus trabalhos ousados sobre o corpo feminino e questões de gênero. Barbara deixou marcas tanto no cinema experimental quanto na arte contemporânea ao trazer para o centro da discussão as experiências lésbicas e feministas vividas por ela e por suas companheiras. Construiu uma carreira original, produzindo mais de 90 obras audiovisuais entre filmes, fotografias, performances, videoarte, colagens e instalações, inspirada por nomes como a diretora Maya Deren. Explorou técnicas visuais inovadoras, desde montagem fragmentada a sobreposição de imagens e experimentações com o corpo em movimento, criando uma linguagem única que desafiava convenções abrindo espaço para formas diferentes de representação (num período em que havia uma profusão de novidades no campo das artes visuais, décadas de 60 e 70). A obra de Barbara é pioneira porque, em uma época em que a homossexualidade feminina era invisibilizada, colocou o desejo e a intimidade entre mulheres como protagonistas, em filmes que chegaram a festivais, como “Dyketactics” (1974), “Women I love” (1976) e “Nitrate kisses” (1992), este exibido em Toronto e Sundance. Parte de seus longas e curtas-metragens tornaram-se marcos do cinema queer ao exibir o afeto e a sexualidade lésbica de maneira poética, muito libertadora. O documentário traz momentos de sua vida privada, declarações e depoimentos antigos e atuais, com ela mesma em perspectiva e muito da colaboração de sua esposa, a ativista de direitos humanos Florrie Burke, que ajudou na finalização do filme. No terço final, os momentos mais duros: a descoberta do câncer de Barbara, que a levou a fazer trabalhos sobre a finitude da vida. O doc também foi premiado em Sundance desse ano, e é um dos grandes documentários da temporada. No festival Olhar de Cinema está na seção “Exibições especiais” e conta com mais uma exibição, amanhã, dia 13/06.
 

Veludo azul (1986)
 
A obra máxima do cineasta David Lynch (pelo menos aquela que o grande público mais lembra, depois de “Duna”) volta com tudo nas salas do festival Olhar de Cinema em uma belíssima cópia restaurada em 4K, na comemoração de 40 anos do filme e dos 80 anos do diretor (falecido em 2025). Cultuado desde seu lançamento em 1986, o filme não perdeu a forma. Uma obra que redefiniu os limites do cinema americano e continua um desafio visual ao expor o contraste entre a aparência idílica da vida suburbana e as pequenas violências que nos permeiam. Na pacata cidadezinha de Lumberton, Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan) encontra uma orelha humana em um matagal. Ele a recolhe e deixa para a polícia periciar. Mas aquele encontro grotesco mexe demais com Jeffrey, então resolve fazer uma investigação própria, com ajuda da garota ingênua que acaba de conhecer, Sandy (Laura Dern). Os dois são levados ao perturbador submundo da cantora Dorothy Vallens (Isabella Rossellini). Pelo caminho Jeffrey irá trombar com a gangue de um lunático perverso chamado Frank Booth (Dennis Hopper), que usa um estranho gás de inalação que o divide em duas personalidades (Baby e Daddy). Com cores vibrantes (com destaque para o azul e o vermelho que serão recorrentes na estética cinematográfica de Lynch, incluindo a série feita poucos anos depois que parece ter saído de “Veludo azul”, “Twin Peaks”), o filme é um estudo sobre voyeurismo e desejos reprimidos, com uma trama cheia de reviravoltas autênticas. Tudo se passa numa cidade parada no tempo, que parece vinda dos anos 50, onde a corrupção começa a surgir nos detalhes da investigação de Jeffrey. Lynch combina elementos do cinema noir clássico com thriller psicológico moderno, criando uma atmosfera de estranhamento que se tornou sua marca registrada – e finais chocantes com direito a sangue para todo lado. É um jogo fascinante com personagens bizarros (alguns caricatos de propósito), um roteiro complexo e uma trilha sonora conceitual que mistura a originalidade de Angelo Badalamenti (parceiro de trabalho de Lynch) com canções bregas românticas, como a canção-tema “Blue velvet” – tudo se choca com a brutalidade dos acontecimentos que virão, reforçando a tensão entre aparência e realidade. É uma estética híbrida que dialoga com Hitchcock, De Palma, Fellini, Buñuel e Wilder. Os atores estão magistrais, e a lista de participações é longa, incluindo Dean Stockwell, Brad Dourif e Hope Lange. “Veludo azul” veio depois do fiasco de “Duna” e recebeu indicação ao Oscar de direção, e no Globo de Ouro de melhor roteiro e ator coadjuvante para Hopper (sinistro no papel que marcou sua carreira). Na telona o filme fica ainda mais grandioso. No festival Olhar de Cinema está na seção “Olhares Clássicos Cine Passeio” e conta com mais uma exibição, amanhã, dia 13/06.

 
 
Futuro Futuro (2025)
 
Ficção científica distópica brasileira, o novo trabalho de Davi Pretto, diretor de “Rifle” (2016) e “Continente” (2024), foi o vencedor do Troféu Candango de melhor longa no Festival de Brasília, além de ter ganhado lá também os prêmios de roteiro, montagem e menção honrosa para o ator Zé Maria Pescador (uma descoberta incrível esse ator). É um drama scifi desafiador que cria uma Porto Alegre chuvosa, uma metrópole decadente, conflitante e labiríntica, marcada pela presença da Inteligência Artificial e por uma estranha síndrome neurológica. Na trama, acompanhamos K (Zé Maria Pescador), um homem que andarilha pela cidade, sem memória. Ele é acolhido por um senhor solitário (João Carlos Castanha) em seu simples casebre. A relação entre os dois vira um misto de sexo e companheirismo, até K se viciar em um dispositivo tecnológico: sentado à frente da peça, o objeto lança um triângulo infravermelho em sua testa, que o faz conhecer uma outra cidade e situações absurdas. O filme funciona como metáfora para os dilemas contemporâneos: a dependência tecnológica, a fragilidade da memória num mundo tomado pela rapidez das coisas e a luta por sentido em um mundo cada vez mais fragmentado e mediado por máquinas. Filme de atmosfera sombria e pessimista, faz críticas diretas em como a tecnologia nos molda, com dispositivos viciantes, transformando sem volta os humanos. Filme de festival, com pegada diferente e nada fácil de digerir (por isso mesmo interessante, que vale conhecer). Teve três sessões especiais no Festival Olhar de Cinema e já tem data de estreia oficial nos cinemas brasileiros: dia 23/07, com distribuição da Cajuína Filmes.

 
Yellow Cake (2026)
 
Depois do excelente, mas bem inusitado “Azougue Nazaré” (2018), o cineasta pernambucano Tiago Melo volta a desafiar as convenções em mais uma obra autoral, “Yellow Cake”, que teve première no festival Olhar de Cinema depois de ser exibido no Festival de Rotterdam em janeiro deste ano. Não espere um filme fácil ou tão compreensível – o assisti na abertura do festival, no Ópera de Arame, numa sessão com 1600 pessoas, e senti ali um misto de surpresa, dúvidas e aplausos. Misturando idioma português e infgles, com atores brasileiros e americanos (com momentos que conectam com “Bacurau”), é um filme simbólico sobre exploração do território (como um “neo-neocolonialismo” tecnológico, pelos norte-americanos) e os limites da sobrevivência em um mundo marcado por tensões ambientais. Na trama, um grupo de estrangeiros no sertão da Paraíba, na cidade de Picuí, buscam uma alternativa para acabar o mosquito aedes aegypti (transmissor da dengue). Ali é uma região rica de urânio, material radioativo capaz de eliminar a doença. O experimento se chama “Yellow Cake”, encabeçado por uma cientista brasileira (Rejane Faria) em conjunto com os americanos. Só que a situação foge totalmente de controle, desencadeando disputas políticas, econômicas e territoriais naquele fim de mundo. O filme tem uma trama muito particular para os tempos exaustivos que vivemos (de ameaças recorrentes de Trump de explorar minerais raros no Brasil), dialogando com a pressão social e como as comunidades periféricas lidam com as ameaças de invasão (personagens secundários entrarão nesse conflito, no caso os papéis de Tania Maria e Valmir do Côco). Tudo é árido e opressivo, com um toque menor de um humor mais direto (exatamente nas falas e ações de Tania Maria e Valmir do Côco). Parece ser futuro, mas um futuro sem distopia ou mudanças radicais de cenário – o que deixa o filme também ambíguo. O desfecho atinge a linha do brutal, quase um cinema raiz B de scifi setentista (o que gostei muito). Deve estrear em breve no Brasil, aguardem para ver!

Especial de Cinema

15a edição do Olhar de Cinema reúne milhares de pessoas na capital do Paraná
 
Um dos maiores festivais internacionais de cinema do Brasil, o “Olhar de Cinema – Festival Internacional de Curitiba” chega em sua 15ª edição apresentando 80 filmes em primeira mão no país, tanto nacionais quanto internacionais. O festival ocorre na capital paranaense de 04 a 13 de junho. Estão reunidos curtas e longas-metragens distribuídos em oito mostras - Competitiva Brasileira, Competitiva Internacional, Novos Olhares, Mirada Paranaense Sanepar, Exibições Especiais, Olhares Clássicos Cine Passeio, Olhar Retrospectivo e Pequenos Olhares, além das sessões de abertura e de encerramento. A abertura do festival ocorreu na noite do dia 04/06, com o filme brasileiro “Yellow cake”, de Tiago Melo – exibido na Ópera de Arame; já o encerramento será em 13/06, com o filme “Salvação” (“Kurtulus”), coprodução Turquia, França, Países Baixos, Grécia e Suécia ganhadora do Grande Prêmio do Júri no Festival de Berlim desse ano.

A programação inclui filmes das Competitivas Brasileira e Internacional, além de clássicos restaurados (sendo seis em homenagem ao cineasta polonês Andrzej Wajda, e ainda títulos de Béla Tarr, David Lynch e Frederick Wiseman) e exibições especiais de filmes do mundo todo realizados entre 2025 e 2026,
Criado como um festival de cinema independente em 2012, o Olhar de Cinema já levou mais de 250 mil pessoas para as salas de cinema e exibiu mais de 1200 filmes do mundo inteiro. Consolida-se, assim, como um dos mais importantes festivais internacionais de cinema do Brasil. Além das exibições de filmes, há também o Seminário de Cinema de Curitiba (com debates, palestras e encontros com profissionais do audiovisual), três oficinas e o CuritibaLab (laboratório de pós-produção de filmes, com consultoria de montagem e marketing).
Os ingressos e credencais estão à venda tanto pelo site oficial do evento, https://olhardecinema.com.br quanto pelo aplicativo e nas bilheterias das salas. Há ainda sessões gratuitas, com retirada de ingresso 30 minutos antes da sessão. O festival acontece em cinco locais de exibição: Cine Passeio, Museu Oscar Niemeyer (Auditório Poty Lazzarotto), Cinemateca de Curitiba, Teatro da Vila e Ópera de Arame.

Fotos da sessão de abertura, de salas de exibição e de seminários, feitos por Felipe Brida

O Olhar de Cinema é viabilizado por leis de incentivo e patrocínios, como Ministério da Cultura (via Lei Rouanet) e Governo do Estado do Paraná, via Secretaria da Cultura e Profice (Programa Estadual de Fomento e Incentivo à Cultura do Paraná). Conta com patrocínio do Terminal de Contêineres de Paranaguá, Sanepar, Mili, Fomento Paraná e Solvay Peróxidos, além de apoio do Projeto Paradiso, Uninter, Cine Passeio, Cinemateca de Curitiba, Teatro da Vila e Icac (Instituto Curitiba de Arte e Cultura) e incentivo da Prefeitura de Curitiba e da Fundação Cultural de Curitiba.
Confira abaixo os filmes que integram as Mostras Competitivas Brasileira e Internacional, de longas-metragens:
 
Mostra Competitiva Brasileira – Longas:
 
São 16 filmes nacionais na programação:
 
1.           A noite e os dias de Miguel Burnier (Dir. João Dumans)
2.           Adulto/Homem (Dir. Pedro Diógenes)
3.           Cerimônia (Dir. Fabio Ramalho, André Antônio, Chico Lacerda)
4.           Disciplina (Dir. Affonso Uchôa)
5.           Duwid Tuminkiz – Makunaima é Duwid? (Dir. Gustavo C. Wapichana)
6.           Fiz um foguete imaginando que você vinha (Dir. Janaína Marques)
7.           Marimbã está acontecendo (Dir. Maryn Marynho)
8.           Maxita (Dir. Mariana Machado e Ana Maria Machado)
9.           O segredo sagrado (Dir. Everlane Moraes)
10.        Olhe para mim (Dir. Rafhael Barbosa)
11.        Pinguim de doce de leite (Dir. Ana Vitória Miotto Tahan)
12.        Pirexia (Dir. Nico da Costa)
13.        Quase inverno (Dir. Rodrigo Grota)
14.        Reparação (Dir. Marcus Curvelo)
15.        Telúrica, a íntima utopia (Dir. Mariana Lacerda)
16.        Um filme para lembrar da utopia (Dir. Reinaldo Cardenuto)
 
Mostra Competitiva Internacional – Longas:
 
São 15 filmes de vários países, como França, Irã, Canadá, Turquia, Itália, Marrocos, Albânia, Bolívia e Chile:
 
1.           A noite já está partindo (Dir. Ramiro Sonzini e Ezequiel Salinas)
2.           Bouchra (Dir. Orian Barki e Meriem Bennani)
3.           Cada época sonha com a próxima (Dir. Johannes Gierlinger)
4.           Cartas a meus pais mortos (Dir. Ignacio Agüero)
5.           Desencaixar (Dir. Danielle Kaganov)
6.           Dragão (Dir. Yashira Jordán)
7.           Má sorte (Dir. Jan Eihardt)
8.           Nan Ginen (Dir. Feguenson Hermogène)
9.           Não me deixe morrer (Dir. Andrei Epure)
10.        O inimigo (Dir. Andrej Chinappi)
11.        O profeta (Dir. Ique Langa)
12.        Outra terra (Dir. Ben Russell)
13.        Se pombos virassem ouro (Dir. Pepa Lubojacki)
14.        Sussurros de um perfume ardente (Dir. Mo Harawe)
15.        Um calendário incompleto (Dir. Sanaz Sohrabi)
 
 
Confira títulos que assisti no Festival desse ano e que recomendo:
 
Fiz um foguete imaginando que você vinha (2026)
 
Apresentado na seção Forum da Berlinale 2026, o filme brasileiro não apenas conta uma história de reencontro de mãe com filha, mas reconfigura a própria ideia de memória. A estreia da cineasta Janaína Marques, até então curtametragista, reflete o mundo íntimo de uma forte protagonista, Rosa (Verônica Cavalcanti), que sai em uma viagem de carro pelo interior do sertão revisitando a infância. Em um carro velho, ela leva junto a mãe, Dalva (Luciana Souza), que percorrem centenas de quilômetros entre risadas e lembranças. O tempo parece voar naqueles dias descritos por Rosa como “quase os mais felizes de sua vida”. Dado momento sabemos que as duas não se viam há muito tempo, e que Dalva foi presa acusada de matar o marido de uma vizinha, quando Rosa era pequena, trauma que a filha carrega até hoje. As duas seguem para a cidade da melhor amiga da mãe, Consuelo, numa viagem que será um divisor de águas na relação daquelas duas mulheres. O filme segue uma linearidade comum em filmes desse tipo, até que na metade há uma ruptura: a realidade se distancia, dando espaço para a imaginação/ficção. Memórias de Rosa ecoam vivas, como se fossem atuais, enquanto busca se reconectar com a mãe por meio de toques e olhares. O filme é um percurso também pelo subconsciente da protagonista, vasculhando traços da infância de Rosa. Cada cenário parece existir num limiar entre o concreto e o simbólico, o presente e o passado, como se o mundo externo fosse moldado pela instabilidade das lembranças de Rosa. Uma viagem que se desdobra em ciclos, onde há espaço para discutir violência doméstica, inseguranças e julgamentos transmitidos de geração para geração. A fotografia é belamente construída destacando as figuras femininas no quadro – elas cruzam por territórios distintos, de paredões de pedras a dunas que cintilam, fazem paradas em motéis à beira de estrada e se comunicam com novos indivíduos que aparecem, como uma motorista de caminhão e um rapaz apelidado de “profeta das chuvas”. As atrizes completam uma à outra em performance digna de aplausos – enquanto Veronica é mais contida como a filha em fase de restabelecimento emocional, Luciana traz leveza e alto astral, alternado a momentos de drama. A música “Sangue latino” (cantada por Ney Matogrosso) surge em várias passagens, adaptada na voz da mãe, em passagens de ternura e reaproximação. Espero que o filme tenha uma boa carreira nos festivais brasileiros. Filme integra a Mostra Competitiva Brasileira, com exibição nos dias 12 e 13/06.

 
 
Joy boy: A tribute to Julius Eastman (2026)
 
Documentário de linguagem experimental que é uma coprodução Bélgica, República Democrática do Congo e França, feito por um coletivo de seis cineastas em um tributo ao compositor, pianista, vocalista e dançarino americano Julius Eastman (1940-1990). Assim como sua obra conceitual foi marcada pelo minimalismo e experimentos sensoriais, o filme também o é, resultando em uma espécie de videoarte costurada com diversos modelos de segmentos, áudios e imagens. O filme, que concorreu ao Teddy Bear no Festival de Berlim desse ano, é dividido em quatro capítulos, todos com títulos de suas músicas: “Evil nigger”, “Many many women”, “Gay guerrilla” (em referência a uma de suas canções revolucionárias do fim dos anos 70 que gerou contestação e até um movimento politizado) e “Joy boy”, além de um interlúdio chamado “Inter Ludes”. São peças de videoarte e criações audiovisuais que tratam do corpo gay preto, do racismo, da contracultura e da marginalidade nas artes. No primeiro há uma sequência rítmica de dança com cores neon, no segundo um depoimento de Eastman (só voz num fundo escuro), sobre suas criações vanguardistas e peculiar visão de mundo, no terceiro um canto com imagens de células via microscópio se formando num agrupamento de formas. E na parte final, uma fotomontagem de flores, plantas e pétalas cobrindo um corpo nu, após uma intervenção urbana de dança com homens gays pretos e periféricos (como Eastman era) à beira da calçada de uma rua movimentada à noite (o que diz muito sobre a marginalização que a imagem propõe). Todos os capítulos ficam sob o som de suas diferentes composições, com piano e voz. Um filme para poucos, de linguagem estritamente experimental (e duração mínima, de apenas 64 minutos). Exibido também nesse mês no Festival de Sydney. Não tem mais sessões no Olhar de Cinema – foi exibido nos dias 06 e 07/06 na seção Novos Olhares, dedicado a filmes de linguagem experimental.
 

 
Gato na cabeça (2025)
 
Uma grata surpresa descobrir esse filme experimental (que é um documentário com ficção) no Festival Olhar de Cinema – ele teve duas sessões apenas, nos dias 05 e 06/06, na seção Novos Olhares, dedicada a filmes de linguagem experimental). Parte de uma premissa curiosa: a diretora letã (nascida na Letônia) Laila Pakalnina encontrou no lixo de um condomínio 36 rolos de negativos não-revelados, captados por uma câmera profissional antiga. Ao fazer a revelação, encontrou imagens em preto-e-branco de um vilarejo rural, datadas entre as décadas de 60 e 80, de um fotografo anônimo. A partir de uma pesquisa para encontrar aquele lugar, a cineasta reimaginou uma história como se fosse a dela, já que o vilarejo parado no tempo e as pessoas das fotos remetiam a memórias de sua infância na Letônia, um país no Mar Báltico que integrou a extinta União Soviética (URSS). O filme escrito e dirigido por ela mistura documentário com ficção no seguinte sentido: ela grava uma história ficcionalizada, de uma família humilde do campo em seus afazeres, em que encena pessoas da própria sociedade que lembram as figuras reais daquelas fotos antigas. A fotografia de um gato aparece (a foto real revelada) e em seguida ela monta como seria a história daquele animal naquela família. A diretora grava tudo em preto-e-branco, seguindo o padrão das fotografias, faz uma seleção de cerca de 40 imagens e recria essas cenas rurais. Uma galinha correndo alvoroçada, uma idosa bebendo licor, uma competição de corrida de caminhões num terreno arenoso, soldados olhando para a câmera, a neve rigorosa cobrindo plantações e por aí vai. Desse fotógrafo desconhecido, Laila revê suas reminiscências, de um lugar próximo ao que viveu na infância e juventude. Detalhe: todas as fotos reveladas apresentam uma interferência, provavelmente proposital, como objetos na frente, transição em wipe, desfoque, reflexos de espelhos, luzes que atravessam alguém (o que indicia que aquilo era um processo altamente criativo do fotógrafo sem nome). Diretora veterana, hoje com 64 anos, Laila Pakalnina já teve seus filmes concorrendo em festivais como Berlim, Veneza, Locarno e Cannes, tanto longas quanto curtas (no Brasil, muitos de seus docs foram exibidos no festival “É Tudo Verdade”). Agora ela apresenta um novo filme, misterioso, instigante, uma obra cult a ser conhecida. Sem mais sessões no Olhar de Cinema, o filme pode estrear em breve nos cinemas brasileiros.

 
 
Caça às moscas (1969)
 
Também conhecido por “Moscas caçadoras”, a comédia satírica foi um marco do cinema polonês, no auge do Novo Cinema Polonês, assinada por nada mais nada menos que Andrzej Wajda (foi seu 12º filme, na época com 42 anos). O filme integra a lista de longas do diretor restaurados que o Festival Olhar de Cinema traz com exclusividade no Brasil, uma obra rara de Wajda, que é um dos homenageados no evento pelo seu centenário de nascimento. O filme se distancia muito do tom político habitual do diretor e roteirista (que explorava as tensões de gênero e a vida doméstica na Polônia do pós-guerra), numa fita corriqueira, muito engraçada, com estética marcada pelo humor ácido e crítica social. É a história de Wlodek (Zygmunt Malanowicz), um cidadão tímido e inseguro, sempre colocado pra baixo pela esposa e pela sogra, com quem mora. Ele tem um filho pequeno, e na casa ainda mora o sogro bonachão, que resolve instalar na cozinha e na sala um “pega moscas”, fitas adesivas colantes que ficam penduradas pelo teto, atrapalhando a locomoção entre os cômodos (daí o título das “moscas”, reforçado pelo final super simbólico e ambíguo). A rotina de Wlodek muda ao conhecer Irena (Malgorzata Braunek), moça nova, bem bonita e atraente, que é estudante e passa a dominar sua vida. Ele se enrola com ela, mas tem o casamento que impede uma mudança de prumo, então o acanhado Wlodek tenta se acertar com as duas, a esposa e a jovem amante. A comédia de costumes é uma sátira ao casamento, à infidelidade e às pressões sociais, visíveis nesse filme que é um barato, revelando o medo do homem diante da emancipação feminina e da transformação dos papéis sociais. Também é uma farsa a la Shakespeare, sobre traição e desejos. Diferente das obras engajadas de Wajda (antes desse com “Cinzas e diamantes” e depois com o poderoso díptico “O homem de mármore” e “O homem de ferro”), voltadas para a memória histórica e os dilemas políticos da Polônia (que envolvia agitação estudantil nas ruas, regime comunista com forte controle estatal e depois uma onda de crises econômicas), aqui o diretor opta por uma abordagem leve, dinâmica, mostrando os costumes e as relações íntimas. A fotografia de Zygmunt Samosiuk e a trilha de Andrzej Korzyński contribuem para uma atmosfera de sutilezas, que se afasta do tom sombrio de outros trabalhos do diretor. A cópia restaurada exibida no festival Olhar de Cinema está primorosa (seja som ou imagem). Além de “Caça às moscas”, mais cinco filmes do diretor integram a seção “Olhar retrospectivo” do festival: “Os feiticeiros inocentes” (1960), “Tudo à venda” (1968), “Terra prometida” (1974 – um de meus Wajda preferidos), “As donzelas de Wilko” (1979) e “O maestro” (1979). “Caça às moscas” não tem mais sessões no festival (foram somente duas, nos dias 06 e 07/06).

High School (1968)
 
Mais um filme cult em cópia restaurada integra a programação do Festival Olhar de Cinema desse ano. Trata-se de “High School”, na seção Olhares Clássicos Cine Passeio. O documentário é um dos filmes da primeira fase do diretor três vezes vencedor do Emmy Frederick Wiseman, falecido em fevereiro passado aos 96 anos. Em seu segundo trabalho para o cinema, ele retrata o cotidiano de uma escola pública secundária na Filadélfia e expõe, com olhar crítico, os mecanismos de disciplina, conformismo e controle presentes na educação norte-americana em plena efervescência social da década de 1960. A estética do longa é marcada pelo estilo do Cinéma Vérité, sem narração ou entrevistas, captando sucessão de fatos e acontecimentos (do jeito que a vida é). O diretor se põe como um observador do cotidiano daquela escola, mostrando professores autoritários, alunos rebeldes e até policiais chamados às pressas para reprimendas. O ano de 1968 foi um período tenso, marcado pela contracultura, protestos estudantis, passeatas feministas, tensões da Guerra Fria e a explosão da Guerra do Vietnã. A escola-alvo do filme, a Northeast High School, na Filadélfia, Pensilvânia, vira um microcosmo daquela sociedade em profunda transformação. O filme acompanha choques geracionais, entre adultos tentando preservar valores tradicionais enquanto jovens encarnam a mudança cultural que emergia nos Estados Unidos. E a punição severa, naturalizada na época, é vista como forma de obediência/subserviência. Wiseman é um cronista da cena urbana, utiliza o estilo direto do documentário observacional, sem comentários externos, entrevistas ou trilha sonora, com um preto-e-branco formidável que dramatiza as passagens. O filme tem uma montagem fragmentada, com cortes abruptos, enquadramentos variados (com muitos closes em rostos) e sobreposição de cenas que desafiam o espectador a interpretar os significados. Na época, o filme foi considerado polêmico, e olhando-o depois de quase 60 anos, as imagens continuam poderosas, incômodas. 25 anos depois Wiseman fez uma espécie de sequência, “High School II” (1994), analisando desta vez o cenário escolar da Escola Secundária Central Park East, em Nova York. O documentário conta com mais uma sessão no festival Olhar de Cinema, no dia 09/06. PS: No mês passado a Mubi lançou uma coleção em homenagem ao cineasta, intitulada “Frederick Wiseman: American lives”, com oito documentários dele que são análises íntimas da sociedade americana e suas contradições; no catálogo há “Model” (1980) e “High School”, bem como longas de enorme duração que ele fez e foi exibido e importantes festivais, como “At Berkeley” (2013) e “City Hall” (2020).

Estreias da semana – Nos cinemas – Parte 2

Backrooms: Um não-lugar
 
Terror instigante com forte clima de mistério que leva para o cinema a estranha atmosfera criada por Kane Parsons em seu seriado homônimo no YouTube anos atrás. Ele transforma uma lenda da internet em uma experiência sensorial marcada pelo minimalismo visual. Quem assistiu à série do Youtube (disponível gratuitamente no perfil de Parsons) sabe que é uma doideira aquilo tudo, um seriado desconexo, cujos episódios são irregulares e não dependem um do outro. Trago um pouco da série para caminhar para algumas explicações em torno do filme que vem fazendo sucesso inesperado nas salas de cinema. Em 2022 Parsons (apelidado de Kane Pixels) criou o projeto de vídeos “The Backrooms”, inspirado em “liminal spaces”, conceito de jogos de salas fechadas e abandonadas, em que alguém (em primeira pessoa) explora o ambiente, sem saber o que irá encontrar pelo trajeto. Às vezes há flashes ao fundo de uma criatura disforme, em outros sons peculiares de vozes vindas de uma rádio, em outros passos e até de gente correndo com trajes de proteção de material radioativo. Esses episódios foram inspirados nas tais creepypastas (lendas de terror que inundam fóruns da internet, criadas por anônimos) e found footage. Entre 2022 e 2025 o jovem cineasta Parsons (veja que prodígio, começou a série aos 16 anos na internet e conquistou milhões de visualizações com seus vídeos) lançou 25 episódios de duração variada (de 1 a 40 minutos cada), totalizando 176 minutos, sempre no mesmo cenário: um ambiente com quartos infinitos de cor amarelada, com perfeita geometria. A série descontinuada traz conceitos de scifici envolvendo cientistas, lixo tóxico, criaturas e tensão permanente (eu assisti à série todinha, alguns episódios são bem instigantes, outros são sem sentido total e cansativos). O filme agora amplia a visão de Parsons (hoje com 20 anos de idade) para uma trama com começo, meio e fim, diferente da série. Nele, vemos o proprietário de uma loja de móveis (Chiwetel Ejiofor) frustrado com a vida, que faz terapia e mora num espaço improvisado numa sala do próprio trabalho. Um dia vê uma luz estranha na divisória de uma das paredes da loja; ao tocá-la, ele se transpõe para uma outra dimensão, um “não-lugar”, que é exatamente o Backroom da série: um lugar infinito, inabitado, extradimensional, formado por corredores de labirintos e salas amarelas. Ali, a realidade como conhece parece se esvair. Escuta um som estranho, há manequins espalhados, vozes vindas de um walkie talkie, fios que conectam televisores, cadeiras amontadas, ou seja, tudo muito confuso. Ele explora o local, até que sai para contar o que viu para sua terapeuta (Renata Reinsve), que duvida então de sua sanidade. Até que o homem monta um grupo de pessoas para entrar no Backroom e filmar os espaços. Eles se perdem e ficam em salas separadas, percebem que há uma presença sinistra ali, e desaparecem. Então a terapeuta vai até lá verificar o sumiço do paciente, descobrindo a fenda luminosa que a transporta para as salas infinitas. O filme trata o tempo todo de um medo intenso de um lugar desconhecido e vazio, interminável, de pura repetição. Os personagens são levados à loucura quando entram em outros tipos de quartos, um vermelho com árvores de natal, um que parece um spa com piscinas, todo alagado. O que seria o Backroom? É um lugar que existe fora da realidade ou apenas dentro da cabeça dos personagens? O tempo todo o longa faz esse questionamento. O design é fiel à estética dos vídeos que viralizaram na web: paredes amareladas, carpete gasto, iluminação fluorescente (realmente um design efusivo, o ponto alto do filme, com mais de 80 cenários diferentes, cada vez mais amedrontadores, bem caóticos). Esse minimalismo não é apenas visual, mas conceitual: o espaço é desprovido de identidade, reforçando a ideia do “não-lugar”, onde o ser humano perde referências. A atmosfera segue os efeitos digitais discretos, usados para sugerir presenças invisíveis e distorções espaciais, o que dá muito certo nesse filme que pegou em cheio o público (de um orçamento mínimo, de U$ 10 milhões, já arrecadou nas salas U$ 210 mi). Há uma aura de filme bizarro, estranhíssimo, que vem atiçando a curiosidade do público, por isso essa bilheteria – além de trazer dois atores de peso, indicados ao Oscar, em ótimos papéis (o britânico Ejiofor e a norueguesa Renata). A marca da produtora A24 é também chamariz, sempre trazendo filmes conceituais e diferenciados do mercado tão saturado de filmes de terror. Parsons é mestre em VFX, processo digital feito na pós-produção, que utiliza cenas reais com CGI, recorrendo a simulação 3D, composições, remoção de objetos indesejados etc, que o fez tanto na série quanto no filme. Norte-americano, ele reuniu um pouco da profissão dos pais para sua formação e até colocou algo disso no filme: o pai era programador de videogames e a mãe, terapeuta (o que explica o papel de Renata Reinsve). Estudou desde cedo efeitos visuais e jogos, e quando criou seu canal no Youtube em 2015, para postar jogos de Minecraft e memes, criou o “Backroom”, que viralizou rapidamente. Agora no seu primeiro contato com o cinema, nessa adaptação, ele mantém a parte boa e a essência da obra conceitual do seriado, explorando também os conflitos humanos e o poder da mente, com uma estética caseira, mas avassaladora - mistura cenas de câmera manual em primeira pessoa (estilo “A bruxa de Blair”) com gravações de atores na frente da câmera. Cai um pouco na parte final, porém ainda assusta (definiria o filme como um terror psicológico com ficção científica).

Cordélicos – A origem do Cabra da Peste
 
Animação brasileira independente lançada nos cinemas no último fim de semana pela Retrato Filmes, é uma fita que explora o cordel para o público jovem, com muito humor, ação e traços peculiares, com uso de formas que recorrem à xilogravura. Há de se notar ainda elementos de ficção científica e estética cyberpunk, com canções populares rítmicas, que criam um sertão futurista onde cangaceiros viajam no tempo para enfrentar o mítico vilão Cabra da Peste. O longa dirigido por Ale McHaddo (pioneira no cinema de animação, que lá atrás fez o bizarro curta que ganhou festivais “A lasanha assassina”) parte de uma premissa curiosa: levar as tradições seculares do cordel para o mundo tecnológico da ficção científica, criando um contraste inimaginável. A trama acompanha um grupo de cangaceiros que encontram e usam uma máquina do tempo, e são lançados ao ano de 3333. Nesse futuro distópico, o sertão se converte em um “Neo Nordeste” povoado por robôs, alienígenas e recursos super avançados, ainda marcado pela memória cultural do cangaço. O vilão Cabra da Peste os persegue até lá para uma vingança. Há crítica social e texturas de uma rica brasilidade nesse filme engraçado, dinâmico, curtinho, que cativa pelos personagens e seus sotaques, cujas vozes são feitas por ótimos atores, como Bruno Garcia (como Capitão Rocha), Tadeu Mello (como Sid), Raissa Xavier (Bonita), Carol Góes (Rimbi), Marcelo Mansfield (Cabra da Peste), Felipe Mazzoni (Tatux e Corisco) e o cantor e ator Falcão (como Falcão Espacial). Diversão ágil para crianças e jovens.

Todo mundo em pânico
 
As bilheterias no mundo engordaram com o novo “Todo mundo em pânico”, o sexto filme da franquia que retornou com tudo aos cinemas no último fim de semana, uma fita escrachada que implode os vícios da cultura americana e parodia os filmes de terror da atual safra (além de fazer uma série de autocríticas do próprio elenco). A comédia besteirol é de uma liberdade criativa infinita, bem superior aos anteriores (que foram ficando envelhecidos, esculachados, mal-feitos e sem sentido). Há reciclagem das piadas e referências, reunindo o elenco original (como Regina Hall, os irmãos Marlon e Shawn Wayans, Anna Faris, Lochlyn Munro, Chris Elliott, Carmen Electra e Dave Sheridan), que usam e abusam de zoeiras, cafonices e ousadia para manter o legado da franquia. As piadas políticas se superam: tem citações aos movimentos “Me too” e “Vidas negras importam”, críticas ferozes a Trump e sua polícia fascista que caça imigrantes, o “Ice”, referência à invasão ao Capitólio, a Musk e ao pedófilo Jeffrey Epstein. Criticam a cultura das lives e dos influencers e a era do cancelamento, caçoam da linguagem como gírias e pronome neutro, e parodiam mais de 20 longas da última década, não só de terror, mas animações e policial, como “Corra!”, “Pânico”, “Pecadores”, “Halloween”, “Guerreiras do K-pop”, “Sorria”, “Michael”, “Longlegs – Vínculo mortal”, “A substância”, “John Wick” e “Bailarina, “Candyman”, “A hora do mal” e até uma passagem de segundos, muito engraçada, de “As branquelas”. Abre com Teyana Taylor como ela mesma numa referência a ter perdido o Oscar desse ano. Curti e rachei de rir em alguns momentos (pelo menos me aliviei nesse puro suco de entretenimento que não se disfarça em ser “enlatado cultural”). Como disse, é bem melhor que os filmes anteriores da franquia que completou 26 anos – quase todos os outros foram campeões de indicações no Razzie Awards, com Lindsay Lohan e Carmen Electra vencendo de “pior atriz”, junto de The Stinkers Bad Movie Awards, que também existiu em Los Angeles por quase 30 anos para premiar os piores. A cinessérie nasceu em 2000, numa década marcada pelo besteirol que enchia as salas de jovens (como “American pie” e “Jackass”), e a cada dois anos aparecia um novo filme zoeira do grupo; desde 2013 não havia um exemplar, e este, que se chamaria “parte 6”, devido ao lapso de tanto tempo, ficou, a mando da distribuidora Universal, apenas “Todo mundo em pânico” - já que também em nenhum há relações diretas de continuação. Está nos cinemas fazendo boa bilheteria - vá para rir muito e se soltar, e espere até os últimos minutos, pois há duas cenas pós-créditos.

Estreias do mês – Nos cinemas - Parte 1

Dolores
 
O diretor pernambucano Marcelo Gomes, de “Cinema, aspirinas e urubus” (2005), traz para a tela um roteiro deixado pelo cineasta Chico Teixeira, falecido há seis anos, que seria o término de uma espécie de trilogia, intitulada de Trilogia dos Afetos, iniciada por ele com “A casa de Alice” (2007) e “Ausência” (2014). Utilizando a obra de Teixeira como base, Gomes realizou um drama tocante, feminino, que trata de sonhos e perspectivas futuras, entrelaçando a rotina de três mulheres em histórias que se cruzam. Dolores acaba de comemorar 65 anos (papel da sempre deslumbrante Carla Ribas) e botou na cabeça que quer comprar um cassino para mudar de condição financeira. Ela frequenta bingos, gastando muito dinheiro nos jogos, e trabalha vendendo roupas íntimas em frente a penitenciárias. A filha, com quem não se dá bem, espera a saída do namorado da cadeia; e a neta, integrante de um clube de tiros, pretende se mudar para os Estados Unidos. Todas elas anseiam por um futuro melhor, planejando mudanças decisivas. Um filme de mulheres fortes, feito por elas e voltado ao público feminino. São grandes interpretações em uma história singela, humana e sem pieguice. Destaque no elenco de Naruna Costa, Ariane Aparecida, Gilda Nomacce, Teca Pereira e participação de Tuna Dwek, Zezé Motta e Roney Villela. Exibido no Festival de San Sebastián e na Mostra Internacional de Cinema de São Paulo em 2025, estreia hoje nos principais cinemas brasileiros, com distribuição da California Filmes.

 
O Mandaloriano e Grogu
 
A chegada de “O Mandaloriano e Grogu” às telas de cinema representa um marco para o universo de Star Wars, franquia consolidada que completa 50 anos em 2027. Enérgico, envolvente do começo ao fim, que deixa um gosto de “quero mais”, o filme surpreende ao transportar para o grande público os protagonistas mais carismáticos da série da Disney+ “O Mandaloriano” (foram três temporadas entre 2019 e 2023, e do mesmo universo Star Wars a Disney+ produziu outras séries spin-off, como “Ahsoka”, “Andor” e “Obi-wan Kenobi”). A direção de Jon Favreau, que é ator e já teve contato com o mundo Disney, responsável pela direção de filmes como o live-action de “O rei leão” (2019), episódios de “O Mandaloriano” e filmes de super-herói como os dois primeiros “Homem de Ferro” (2008 e 2010), dá o tom do longa:  uma obra eficiente, com roteiro dinâmico e repleto de efeitos visuais de cair o queixo, seguindo o nível do seriado, que gosto muito. Ampliando a mitologia criada desde a queda do Império Galáctico, o filme se passa na Nova República, após os acontecimentos de “O retorno de Jedi” (1983), em um período de reconstrução, quando há uma busca para consolidar a paz enquanto remanescentes imperiais semeiam desordem pela galáxia. Pedro Pascal é Din Djarin, um guerreiro apelidado de “mandaloriano” (sempre com um capacete fortificado, que faz com que nunca vemos seu rosto). Seu companheiro de jornada é Grogu (o “Baby Yoda”), e os dois são convocados para a missão crucial de resgatar Rotta the Hutt (o único filho de Jabba the Hutt), a mando de seus tios. Rotta (voz de Jeremy Allen White) negou-se a herdar o trono, fugindo para uma lua próxima, Shakari, onde hoje é um gladiador - e está lá para levantar fundos para pagar uma dívida mortal. Ao mesmo tempo, a coronel Ward (Sigourney Weaver) obtém informações valiosas sobre um ex-comandante do Império e faz um novo trato com Mandaloriano assim que terminar o resgate de Rotta, para tentar manter a paz na galáxia. O longa se estabelece como continuação direta da terceira temporada de “O Mandaloriano”, funcionando como ponte narrativa para futuros capítulos da saga. A produção preserva a identidade visual do seriado, escalonando situações e trazendo novos personagens – alguns adoráveis, outros sinistros. O longa tem pontos altos que seguem a uniformidade da série: a trilha sonora do sueco Ludwig Göransson, três vezes ganhador do Oscar; o figurino, que é uma tradição da série; a deslumbrante fotografia entre lugares áridos e ambientes tecnológicos, evocando o espírito épico de Star Wars; e os efeitos especiais, que seguem as premissas da Lucasfilm, com uso intensivo da tecnologia StageCraft, que revolucionou a série e agora ganha proporções mais impressionantes no cinema. Apesar de liderar a bilheteria norte-americana em seu fim de semana de estreia (em 20 de maio), registrou a abertura mais modesta da franquia Disney, e até agora no mundo arrecadou US$ 252 milhões (sendo o orçamento de US$ 165 milhões, ou seja, não explodiu como imaginavam). Ainda assim, os fãs demonstram entusiasmo pela expansão da jornada de Mando e Grogu, consolidando-os como ícones contemporâneos da saga galáctica. PS: Até Martin Scorsese entrou na brincadeira: ele empresta sua voz para um personagem engraçadíssimo, o macaco cozinheiro Hugo, de quatro braços, que mora em Shakari e ajuda Mando a localizar Rotta.

Estreias da semana – Nos cinemas – Parte 5

Diamantes
 
Fenômeno de bilheteria na Europa, o novo trabalho do cineasta turco naturalizado na Itália Ferzan Özpetek, de “O primeiro que disse” (2010) e outros 25 curtas e longas, é uma homenagem ao universo da moda visto por dentro do cinema. Retrata duas histórias distintas, mas que se complementam, divididas entre presente e passado, cuja força feminina é a base desse drama de estética vibrante, que exibe com detalhes os bastidores da transformação de tecidos em figurinos elegantíssimos que serão destinados a celebridades que os usarão nas gravações de um filme. O enredo traz um diretor de cinema, no tempo atual, planejando a execução de um longa-metragem com suas atrizes preferidas, pensando no figurino ideal para a obra; isto os transpõe para 50 anos antes, na década de70, em um ateliê comandado por duas irmãs da família Canova, Alberta (Luisa Ranieri, de “A mão de Deus”) e Gabriella (Jasmine Trinca, de “O quarto do filho”), cujas personalidades são conflitantes. Cada uma tem um modo de pensar e agir. Com elas, trabalham funcionárias que enfrentam dilemas universais: violência doméstica, luto, paixões e maternidade. No ateliê, aquele grupo de mulheres trocam segredos em conversas reservadas (um espaço de sororidade), trabalham arduamente com o tempo contado e se unem em torno de um ideal comum: elaborar os figurinos mais bonitos do cinema. Özpetek costura as historietas com referências cinematográficas aos montes, como uma cena da escadaria que remete à “Crepúsculo dos deuses”. O filme também é especial para o cineasta, uma espécie de memórias do seu primeiro trabalho, nas décadas de 70 e 80, como assistente de direção na Sartoria Tirelli, uma antiga casa italiana de figurinos para o cinema. Além de Luisa e Jasmine, no elenco há outras mulheres carismáticas que trazem vivacidade para a história, como Sara Bosi, Elena Sofia Ricci, Anna Ferzetti (filha do falecido ator italiano Gabriele Ferzetti), Paola Minaccioni e participação do ator Stefano Accorsi. Sucesso estrondoso na Itália, onde liderou bilheterias por quase dois anos (o filme é de 2024), passou em cinemas de mais de 40 países, chegando agora ao Brasil pela Pandora Filmes, depois de ter sido exibido no Festival de Cinema Italiano no Brasil.
 

 
Hokum: O pesadelo da bruxa
 
Estamos em uma boa temporada de filmes de horror que vem levando muita gente para as salas de cinema. Somente em maio estrearam no Brasil sete do gênero: “Exit 8”, “Dolly – A boneca maldita”, “Love kills” (este brasileiro), “Passageiro do mal”, “Obsessão”, “Backrooms: Um não-lugar” e “Hokum”. Os três últimos assisti numa tacada, no último fim de semana, e gostei. Vamos para “Hokum”, um baita terror atmosférico com um personagem só, trancado em uma pousada mal-assombrada. Nesse folk horror inspirado em uma lenda urbana irlandesa, o ator Adam Scott (de “Krampus: O terror do natal”) interpreta Ohm Bauman, um escritor de livros de aventura conhecido, mas egocêntrico, que viaja para o interior da Irlanda com o objetivo de cumprir o último desejo dos pais falecidos recentemente: espalhar as cinzas deles no local onde se conheceram, uma floresta de sequoias. Ele também está lá para terminar seu próximo livro, portanto se hospeda por alguns dias em uma antiga pousada. Escuta de duas pessoas histórias funestas sobre o lugar, de que num dos quartos nupciais uma bruxa foi aprisionada. O cômodo é mantido em segredo, isolado por portas maciças reforçadas com cadeados. Inicialmente ele não dá bola para o caso, mas quando uma funcionária do hotel, com quem ele conversava, desaparece, Bauman resolve explorar os cantos da misteriosa pousada. O escritor não imagina no que está se metendo, até se enfurnar em um pesadelo interminável. O filme é assustador, conduzindo o espectador por uma narrativa de luto, segredos e forças sobrenaturais, com momentos de angústia e sustos de pular da cadeira. O longa anterior do cineasta Damian McCarthy, “Oddity: Objetos obscuros” (2024), mexia com temas parecidos (como isolamento, figuras míticas amaldiçoadas, resolução de crimes do passado), e agora reúne tudo isso em um terror mais explícito e de ambiguidades (aqueles dias de terror são reais ou está na mente do protagonista?). A figura da bruxa aparece nas penumbras, o que gera dúvidas e mais medo no espectador, sendo uma metáfora inevitável da morte. O roteiro tem uma boa construção, com um desfecho regular e cenas bem fotografadas de ambientes escuros (que provocam a tensão necessária para esse tipo de filme). Está nos cinemas pela Diamond Films.
 

 
Obsessão
 
Filme de terror do momento, que está na boca do público jovem, vem lotando sessões nas salas de exibição e causando uma série de sentimentos controversos – eu, por exemplo, fiquei baqueado, pois aquilo tudo mexeu comigo, já que é um filme de pura tensão psicológica que causa mal-estar. Realizado em 2025 por um cineasta independente desconhecido, Curry Barker (que o escreveu e dirigiu), o filme foi exibido no Festival de Toronto e, após um ano, entrou no circuito mundial, incluindo no Brasil, com distribuição da Universal Pictures. É um terror psicológico inquietante, com roteiro original trazendo jumpscares eficazes, assustadores, que faz com que até desviemos o olhar nas cenas em que sabemos que o horror explodirá na tela. Um aparente romance juvenil vira um pesadelo sobrenatural de raízes profundas. O enredo acompanha Bear (Michael Johnston), um rapaz solitário, que procura um novo amor após o término com a namorada. Um dia, em uma loja de souvenirs, compra um brinquedo misterioso chamado One Wish Willow (Salgueiro da Sorte), capaz de realizar um único desejo. Ao pedir para ser amado por sua melhor amiga de infância, Nikki (Inde Navarrette), ele vê seu sonho se concretizar de forma imediata. Eles iniciam um romance descomunal, só que o amor de Nikki se converte em obsessão. O comportamento de Nikki oscila, como se fosse duas pessoas diferentes: a garota cuidadosa, afetiva, vira em poucos segundos uma pessoa histérica, amarga, capaz de loucuras para ter o namorado por perto. Bear descobre que o desejo escolhido terá um preço sombrio e irreversível. A premissa, aparentemente simples, é engenhosa, dando ao filme uma originalidade rara no gênero, que explora os limites entre desejo, paixão e destruição. Há momentos tensos que deixarão o público de cabelo em pé, tamanho o clima sombrio que o diretor conseguiu instaurar. O roteiro mescla drama íntimo com terror sobrenatural, sem recorrer a clichês, e tudo muito pessimista, incluindo o desfecho arrasador. O filme é de puro clima de paranoia, perseguição, loucura e claustrofobia, com tensão crescente – prepare o coração, já adianto. Há toda uma discussão crítica sobre os relacionamentos sufocantes, principalmente os da atualidade, dos tempos das redes sociais, fugazes e passageiros, que corroem o casal; de um lado, um jovem inseguro que necessita ser amado a qualquer custo, e de outro, uma garota consumida pela necessidade de ter o namorado por perto, não o deixando sair sozinho, nem falar com os amigos. Michael Johnston e Inde Navarrette entregam personagens difíceis de interpretar, dando um show de performance. Eu curti o filme, um dos melhores de terror do ano. Assista, se possível, no escurinho do cinema (para quem gosta de levar sustos) e preste atenção em todos os detalhes.